Swatch Turner's Scarlet Sunset

 

Swatch SO28Z700 Art Journey 2024: Turner's Scarlet Sunset

Quartz movement / 3 Bar water resistant 
Diameter : 34.00 mm / Thickness : 8.75 mm / Lug-to-lug : 39.20 mm / 
Strap Material : Silicone / Clasp Material : Polymer / Strap Clasp : Buckle / 
Case Material : Bio-sourced material / Color : Pink / Strap color : Pink / 

Dial color : Red / Case color : Transparent / Product family : ORIGINALS

충동 구매. 맘에 쏙 듦! 가볍고. 햇무리랑 윤슬이 14일 주기로 오묘히 색조 변화 중. 💞 

어스름 깔린 일몰인데도 어쩐지 싱싱한 오렌지 기운이 난다. 

The Scarlet Sunset: A French Town on a River
Joseph Mallord William Turner 1775–1851

c.1830
Watercolour and gouache on paper
134 x 189 mm
(C) Tate 

This composition is painted with a limited range of colours, arranged to give strong contrasts between primary colours. It also incorporates the pale blue wove paper so that it makes a significant contribution to the image. [...]  

Turner quite often used blue paper, especially at this period. It was usually of medium or heavy weight, made predominantly from linen fibres, and like all his papers it was prepared by the manufacturer with an animal glue size on both sides. This was done by dipping it in a gelatine-based solution when the paper was first made and dried, and it makes the paper fairly non-absorbent. Soaking it in water before painting would have washed out this size and made the paper extremely absorbent. Assuming it was not pre-soaked, the first brush-load of watercolour paint on this paper would dry with a fairly hard edge. A brush-stroke painted on top would begin to dissolve the size, and the paint would spread further into the paper, and dry with a softer edge. Each successive wash would make the paper less absorbent, and cause the same brush and colour to dry differently on the paper. This gives many possibilities for a detailed subject. These contrasts in the mark made by the brush were less obvious if the paper was placed on a flat surface before painting, then damped all over with a large, flat brush full of plain water, or a wet rag, before painting. However, this was not Turner’s painting process here.  

It takes some time to grow used to painting on glue-sized paper made from linen fibres. Today very few artists do, since it is difficult to obtain, in comparison to the cotton-based papers of the present day, which are sized throughout their thickness with a synthetic material, and which are absorbent from the first brush-stroke.

For the pale bluish grey paint used for the bridge and buildings, Turner used lead white and a little natural ultramarine, painted onto dry paper and left to dry. This paint conceals the paper colour, but all the later washes are transparent, and allow the blue to shine through. In the gaps between washes, the paper acts as a blue tone in the composition. For the sunset, Turner used vermilion and chrome yellow. The red and yellow washes overlap only in the water, which has a fuzzy reflection of the pure yellow sun, itself painted into a reserve deliberately in the red paint of the sunset, and overlapping some red paint. This would be successful only with very opaque pigments such as these. The spit of land on the left has details in warm brown ochre applied over the same yellow paint used elsewhere, applied over thin washes of the same red used elsewhere. It would be possible to create many versions of this composition, with different brown ochre marks to represent figures, buildings and boats. The most difficult part would be to create the yellow reflection in the water, in one assured brush-stroke. 

Joyce Townsend 

March 2011

Much has been written about this watercolour, perhaps one of the best known of Turner’s drawings on blue paper. The vibrantly coloured design shows the setting sun, its light cascading across the river and illuminating the sky in a radiant display of reds, golds and yellows. The reflected sun light on the water is captured in a single, rapid curling brushstroke of brilliant yellow. The boldness of this motif contrasts with the hazy depiction of the bridge and the collection of buildings and towers in the distance. In the foreground, to the left of the composition, two horses with a cart and several figures are gathered at the edge of the water, their elongated shadows and watery reflections exaggerating their presence in the picture space. 

[...] The drawing has repeatedly attracted comparison with Claude Monet’s celebrated view of the Seine from 1872–3, known as Impression, Sunrise (Musée Marmottan, Paris, W 263). Although Monet had seen unspecified Turners in London in 1870–1, it is unlikely that the French painter would have known the present work (and certainly not in anticipation of his own Sunrise), as it was not published in Ruskin’s catalogue until 1881. [Lochnan, Abélès, House and others 2004, pp.37, 92] 

Hayley Flynn 

April 2024

Tarkovsky (1966) Strasti po Andreyu (Andrei Rublev)

Андрей Арсеньевич Тарковский (Andrei Arsenyevich Tarkovsky, 1966)
Андрей Рублёв (Страсти по Андрею; Strasti po Andreyu) (영/독/프/스 등 자막)

Andrei Rublev (The Passion According to Andrei) 안드레이 루블료프

* 칸 영화제(21회) 국제영화비평가연맹(FIPRESCI)상 

2021-12-24 쇠의 밤@내 방 

결국 놀았다. 자막 있는 감독판을 못 찾아서 아쉬운 대로. 아빠랑.  

Андрей Арсеньевич Тарковский (Andrey Arsenyevich Tarkovsky, 1986): 시나리오 집필 이후에 나는 나의 구상이 실현될 수 있을지를 두고 깊은 의구심에 빠졌다. 그러나 기회가 주어진다면 미래의 영화가 어떤 경우에도 역사물이나 전기물로는 만들어지지 않을 것이라고 생각했다. 나의 관심은 다른 데 있었다. 그것은 바로 위대한 러시아 화가의 시적 재능에 깃든 성격을 탐구하는 것이다. 루블료프의 사례를 통해서 나는 예술 창작의 심리 문제를 탐구하고 싶었고 초시간적 의미가 있는 정신적 보고를 창조한 한 예술가의 정신과 시민적 감정을 분석해 보고 싶었다. [49]

이 이야기들은 전통적인 연대기 방식으로 연결된 것이 아니라, 루블료프가 <성 삼위일체> 성상화를 그리게 된 내적/시적 논리로 연결되어 있다. 바로 이 논리가 에피소드들의 통일성으로 이어지는데, 각 에피소드에는 특별한 플롯과 고유한 사상이 담겨 있다. 에피소드들은 내적으로 서로 충돌하며 상호 작용을 거쳐 발전한다. 

그러나 시나리오의 순서상 이러한 충돌은 삶과 창작의 모순과 복잡성이 이미지로 표현되는 것처럼 시적 논리에 상응하여 일어나야만 했다. 

역사적인 측면에서, 마치 우리의 동시대인에 관해 이야기한다는 인상을 주는 영화를 만들고 싶었다. 그렇게 하려면 역사적 사실과 인물들 속에서, 물질문화의 잔재 속에서 미래의 기념비를 위한 동기가 아니라 살아 숨 쉬듯이 생생하면서 심지어 일상적이기까지 한 무엇인가를 찾아야만 했다. [50] 

모든 예술의 목적이 인간은 무엇을 위해 살고 인간의 존재 의미는 무엇인지를 예술가 자신과 주변 사람들에게 설명해준다는 것임은 자명하다. 그것은 인간이 지구상에 출현하게 된 이유가 무엇인지 그들에게 설명해주는 데 있다. 설명해주지 않는다고 할지라도 적어도 이런 질문을 사람들에게 제기하는 것이 예술의 목적이다. [53] 

'자연의 화관'이라고 하는 인간은 다름 아닌 바로 인간이 무엇을 위해 나타났는지, 또는 보내졌는지 알기 위해 지구에 나타났다. 그리고 인간의 도움을 통해 창조주는 자기 자신을 알게 된다. 이러한 길은 진화라고 불린다. 이 길은 인간의 자기 인식이라는 고통스러운 과정을 수반한다. [54] 

예술의 발견은 매번 새롭고도 독보적인 세계의 이미지로, 절대 진리의 상형문자로 나타난다. 그것은 계시로 나타난다. 아름다운 것과 추한 것, 인간적인 것과 잔인한 것, 무한한 것과 유한한 것 등 세계의 모든 법칙을 한꺼번에 직관적으로 파악하고 싶은 순간적이고 열정적인 바람으로 나타난다. 예술가는 예술적 이미지를 창조하면서 이런 것들을 표현한다. 그는 독특한 절대의 포획자다. 무한한 것의 느낌은 이미지의 도움으로 유지되는데, 여기서 무한한 것은 유한한 것을 통해서, 정신적인 것은 물질적인 것을 통해서, 광대한 것은 프레임을 통해서 표현된다. [55] 

시나리오에는 다음과 같은 에피소드가 쓰여 있었다. 농부가 날개를 만들어 교회 위로 올라가서 뛰어내리다 땅에 떨어져 박살이 난다. 우리는 이 에피소드를 '재구성하고' 에피소드의 심리적 본질을 검토해보았다. 어떻게 하면 하늘을 날 수 있을지 평생 생각해온 사람이 분명히 있었을 것이다. 그렇다면 이것은 실제로 어떻게 일어났을까? 사람들이 그를 쫓아오고 그는 서둘렀다. 이윽고 그가 뛰어내렸다. 최초로 날았던 사람은 무엇을 보고 느꼈을까? 그는 뭔가 볼 새도 없이 곧장 떨어져 박살이 났다. 그는 기대하지 않은 끔찍한 자신의 추락만 느꼈을 뿐이다. 비행의 열정, 비행의 상징은 사라졌다. 여기서 의미는 우리에게 이미 익숙한 연상들과 비교하여 매우 직접적이고 기초적이기 때문이다. 스크린에는 흙 묻은 순박한 농부가 나와서 곧장 땅으로 떨어져 박살 나 죽어야만 했다. 이것은 구체적인 사건이며, 누군가가 달려오는 자동차에 뛰어들었다가 만신창이가 되어 아스팔트 위에 쓰러져 있는 것을 지금 우리가 보는 것처럼, 그렇게 주변 사람들에게 관찰되는 인간 참사이다. 

우리는 이 에피소드를 구축하고 있는 조형적 상징을 무너뜨릴 기회를 오랫동안 찾다가 악의 근원이 바로 날개에 있다는 생각에 이르렀다. 그리고 에피소드의 '이카로스' 콤플렉스를 무너뜨리고자  열기구가 고안됐다. 가죽과 밧줄, 넝마로 만든 볼품없는 열기구였다. 우리가 볼 때 열기구는 에피소드에서 그릇된 열정을 제거하고 사건을 특별하게 만들어주었다. 

가장 먼저 묘사해야 하는 것은 사건이지, 사건에 대한 자신의 태도가 아니다. 사건에 대한 태도는 영화 전체에 의해 규명되어야 하고 영화의 총체성 안에서 나와야 한다. 이것은 하나의 모자이크 안에서 모든 조각이 각자 나름대로 동등한 색깔을 띠고 있는 것과 같다. 푸른색이나 하얀색, 아니면 빨간색으로 각기 다르다. 그러나 나중에 완성된 그림을 보면 작가가 무엇을 고려하고 있었는지 알 수 있다. [108-109] 

수도원 밖에 펼쳐진 현실을 왜곡하는 장벽 안에서 보호를 받던 안드레이가 바깥 세계의 삶과 부딪혔을 때 얼마나 속수무책이었을지는 쉽게 상상할 수 있을 것이다. 고통의 길을 거치며 민중의 운명과 하나가 되고 나서야 비로소 안드레이는 현실과는 괴리된 선善에 대한 믿음을 버리고 출발점으로 다시 돌아간다. 다시 말해 사랑과 자비, 박애 사상으로 회귀한다. 하지만 그는 이미 고통받는 민중의 열망을 표현한 데서 이 사상의 위대하고 고매한 진리를 감지했다.

전통적인 진리는 오직 자기 자신의 경험으로 뒷받침될 때만 진리로 남는다. [120] 

-- 라승도 옮김(2021: 42-43)

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1964년 11월 제작 착수, 1966년 12월 시사회. 2년이면 이런 불후의 대작을 만드는데 나는 단편 하나를 못 쓰네. 어제 처음 자료가 완전하지는 않아도 부족하지는 않다는 느낌이 왔다. 이제 읽으면 된다는. "분류압"과 함께. 

OST by Вячесла́в Алекса́ндрович Овчи́нников (Vyacheslav Aleksandrovich Ovchinnikov) 

비야체슬라프 옵치니코프 

Aisling Walsh (2017) Maudie 내 사랑

Aisling Walsh (2017) Maudie 내 사랑

2017-08-29 불의 밤 @cinematrap : 뮤젠, 야생

요즘에도 이런 진한 영화가 만들어지긴 하는구나.
시작하자마자 눈물이 쏟아져서, 영화관이라 소리 죽이느라 끝나고 진이 빠져서 자리에서 일어설 기운도 없었다.

"I was loved."

초면인 오늘 여주인공은 말할 것도 없지만. 죽은 시인의 사회 그리고 가타카 이후 Ethan Hawk를 보지 못하고 있었는데 첫 등장 씬에서부터 기절할 뻔했다.

살아냄의 고통과 사람의 아름다움.
배우에 대한 경탄.
신에 대한 경외.